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“¡Santas monjas voladoras, Batman!”, diría Robin con total asombro si supiera los mares de tinta y las oleadas de e-mails que ha provocado la última entrega cinematográfica del hombre murciélago: Batman Begins. Ayer, si no fueron muy vagos e hicieron click en el lugar indicado, seguro pudieron leer una entrevista con el director Christopher Nolan (publicada en El Cultural).

Y hoy, cibernautas del Lado Oscuro, la plática sobre el tema sigue, alentada por ustedes mismos quienes en varios mensajes gritaron que era necesario hablar del asunto. No quiero alargarme mucho para que podamos leer y discutir sobre las colaboraciones que enviaron ‘suckertrainblues’ y ‘langer727’ al respecto.

Solo quiero agregar que hace muchísimo tiempo no me sorprendía tanto en un filme que tuviera como protagonista a Batman; recuerdo que cuando la cinta de Mr. Nolan terminó traté de calmar mi emoción. No podía creer que alguien hubiera logrado ‘resucitar’ una ‘saga’ muerta y darle tal aura humana al señor enmascarado: un tipo que puede meter la pata, al que pueden fregar las balas, que puede perder una pelea, que huele a sudor y a sangre; un ‘batiman’ alejado del glamour insensato de los filmes de Schumacher, al que odié en las pasadas entregas (Batman Forever y Batman y Robin) porque tras ese trajecito se podía leer su pensamiento: “soy bati-cool, soy lo máximo con mis bati-gadgets”. Joel hizo que le perdiéramos el respeto a nuestro héroe; Tim Burton, al ver eso, me imagino que estuvo al borde del suicidio, porque sus dos entregas de Batman fueron honestas (a mí me gustaron mucho).

Un Batman, Batman
Sobre el asunto Burton-Nolan, habla ‘suckertrainblues’ en su correo (en el que respondía a otros dos cibernautas):

“Burton es Burton, su riesgo en el 89 fue increíble teniendo en cuenta
que estaría iniciando el gran negocio de llevar Batman al cine después
de tantos años. (¿Recuerdan la que hubo con Adam west y Burguess
Meredith con la serie de televisión?). Sin embargo, lo mejor de Batman
(1989) es de lejos Nicholson, la escena de la torre y la recreación de
Ciudad Gótica… mucha gente todavía dice que esa película se debió
llamar’ The Joker’”.

Y, continúa nuestro amigo:
“No creo que el estilo gótico de las primeras sea reforzado pero si estoy de acuerdo en que ha sido el cliché con el que la gente la referencia. ¿Pero, Batman qué? ¿Les interesó hacernos saber por qué murciélago y no araña? Sólo Batman Forever intenta ahondar un poco mas en eso, pero poquiiiisimo!

Esa es la clave de Nolan en su filme, inventó la historia y le dió personalidad a Batman. Ese "Do I look like a cop?" con miedo y furia ¡se me quedará en la cabeza por mucho tiempo! Claro, ahora sabemos por qué es como es y eso le da ventaja a esta película, pero ¿por qué a las de Burton y Schumacher les cuesta tanto trabajo definir a Batman? Este de ahora, iniciando y todo, tiene mejor carro, la maña ultrasonido, vuela mejor y pelea mas agresivo.

Oí a alguien quejarse de las escenas de acción, que no mostraban mucho el estilo "PAM, ZAM, WOW, CHUM". Eso a mi me pareció lo mejor, tal como un ninja, sin ningún rastro los vuelve nada a todos. En fin… haciendo mi propia justicia, Burton recreó el escenario como nadie, Schumacher volvió el escenario lobo y le metió superenemigos-superactores (de lo que se salva Jim Carrey y Batman Forever porque aceptémoslo, algo entretenida sí es, pero con el imperdonable pecado de haber tenido esa secuela tan asquerosa) y Nolan, tan simple como suena, porfin hizo a Batman”.

¿Pero no recuerdan el desastre ‘Gatubela?
La colaboración de ‘langer727’ (a quien ya vimos que no le pareció tan mala La guerra de los mundos, y de quien esperamos la calificación en crispetas para este filme; lo mismo para todos ustedes, no se hagan los locos) va por otro camino, él piensa –y aquí lo apoyamos– que así como Schumacher “y su fracasado grupo de actores fueron el peor error que le pudo ocurrir a esta franquicia cinematográfica (…) somos algo injustos”, porque, dice él:
“Hay otros dos individuos que también merecen la picota pública por atentar contra la obra de Bob Kane: ¿A alguien le suenan los nombres Halle Berry y Pitof? Selina Kyle, alias Gatúbela (Catwoman) es uno de los personajes favoritos en el mundo del comic. Tuvo muchos orígenes: aeromoza con amnesia que termina de delincuente; hija de un “cat burglar” (ladrón profesional de azoteas), a quien le aprendió las malas mañas; huérfana de la calle que tuvo que aprender todo lo relacionado con el “arte de robar” para poder sobrevivir. Frank Miller, una de las mentes más brillantes del comic moderno, la concibió como una ex-prostituta que decidió nunca más dejarse dominar por ningún hombre; y el genial Tim Burton la imaginó como una mujer acomplejada que en un momento traumático saca toda su fuerza interior. Aún recordamos a la bella Julie Newmar en la serie de Batman de los sesenta (¡¡¡mamacita!!!), y a la sexy Michelle Pfeiffer en Batman Returns de Burton (¡¡¡MIAU!!!).

Esta villana, creada en 1940 por Bob Kane, muestra como una mujer sin superpoderes y con muchos traumas puede luchar hasta ser dueña de su propia voluntad aún en contra de la ley (aunque con cierto código moral que le impide matar y la impulsa a robar para ayudar al desvalido). Claro, sin olvidar su desbordante sensualidad, su adoración por los gatos y la constante tensión sexual con Batman, su declarado enemigo y al mismo tiempo su mayor obsesión.

Entonces, existiendo el material suficiente para lograr una película decente ¿Por qué diablos Halle Berry y el pseudo-director Pitof tenían que dañar a un personaje tan lindo?¿Quién fue el $#%#$ ejecutivo de la Warner que creyó que estos dos podrían hacer una película decente?”

‘Langer727’ considera que en su papel de Heroína La Berry fracasa, “le quedó grande”, y que Pitof (el director), fue una ruina para la cinta. Y sigue:

“La historia tiene un comienzo similar al de la Gatúbela de Batman Returns: chica sin personalidad descubre oscuro secreto de la empresa donde trabaja. Su jefe se da cuenta, la mata y la protagonista termina rodeada de mininos. La diferencia es que, en la película de Pitof, Patience Phillips (Berry) muere y resucita gracias al místico legado de un gato egipcio, el cual le otorga la capacidad de trepar muros como Spiderman, sentidos aumentados parecidos a los de Daredevil, y una personalidad dividida que haría palidecer a Jim Carrey en The Mask.

Peor aún, también adquiere las mañas felinas. Es triste ver a una gran actriz gruñéndole a los perros y devorando pescado crudo. Todo bajo la excusa de que “la libertad es poder”, desabrida proclama del “girl power”. Esta es una película sólo para los que quieren ver a Halle Berry con un pésimo disfraz (bueno, de pronto a alguien le gusta).
Lo único rescatable de esta película es el arte de los paisajes nocturnos (nada que no pueda conseguirse en un protector de pantalla o en un afiche de Sanandresito). Pero eso no justifica despilfarrar el dinero en esta cinta. Por mi parte, seguiré recordando nostálgicamente a Julie Newmar y a Michelle Pfeiffer, quienes no necesitaron de gatos mágicos ni de ser reemplazadas por modelos digitales para encarnar magníficamente a uno de los más bellos e independientes íconos femeninos”.

Gracias a los dos por sus colaboraciones, esperamos que los hinchas de Gatúbela puedan respirar tranquilos y los defensores de Burton y Nolan también. Hasta mañana.
*(Los textos fueron editados por El Lado Oscuro con el único fin de hacerlos un poco más breves, espero que sus autores no hayan visto «maltratados» sus aportes)

 

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El mundo entero es una enorme representación cinematográfica de carpetas rojas, villanos, heroes, violencia, sueños, optimismo y mentiras, recreadas e interpretadas por los medios de comunicación, escritos y visuales. Es evidente que la imagen que tenemos del mundo es la visión que pocas personas y medios recrean masivamente en diversas culturas. En Colombia, cualquier página inicial de un medio de información mezcla analisis, futbol, tetas y publicidad. Lo suficiente para mantener al país al nivel intelectual de las películas decembrinas de Dago, las traquetonovelas y una cultura arrodillada a la santísima trinidad: Juanes, Shakira y "Gabo". El Lado Oscuro busca ser una alternativa de documentación visual de educación, a través de películas, documentales, cortos, imágenes, referencias y fuentes escritas para consultar y repensar el mundo de la tele y la existencia de personasjes como Tim Allen y el propio Dago. Historia de EL LADO OSCURO. Dando de que hablar desde el año 2005. Fue iniciado como un blog exclusivo de cine por Patxo Escobar, bloggero y cinémano, y luego continuado por Jack (Jorge) y Tyler (Andrés). Jack dejó el bote en 2008 y en 2009 el Lado Oscuro 3 entra en suspensión reflexiva. En 2010, el Lado Oscuro IV regresa con el interés principal de ser fuente de documentos visuales para la reflexión y como siempre, para la diversión. _____________________________ Pueden encontrar más sobre el autor en: http://knowyourenemies.blogspot.com http://zeitgeistcolombia.blogspot.com http://www.youtube.com/thelizardkingdom

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    En 1989 el cineasta norteamericano Martin Scorsese dio a luz una obra que se convertiría en la representación más polémica y controvertida (ofensiva para grupos religiosos intolerantes) sobre un Cristo ajeno a toda propuesta ortodoxa. La Última Tentación de Cristo, basada en la novela homónima del filósofo griego Nikos Kazantzakis, desmitifica por completo al personaje admirado por la cultura occidental, un ser que según el catolicismo, es el conducto para llegar a Dios a través de su sacrificio. Aunque este no fue el objetivo principal del director, sí logra plasmar tal afirmación, pues expone el conflicto existencial entre el hombre y Dios, el cuerpo y el espíritu, y la lucha entre padre e hijo.

    Por primera vez se exhibe a un Cristo más humano, ajeno a toda versión oficialista y autorizada por la Iglesia Apostólica Romana, inmerso en un ambiente desolador, confuso, pues no logra asumir en principio con exactitud las convulsiones epilépticas que sufre, las cuales traduce como un llamado divino de Dios para una misión, pero al mismo tiempo le son ignoradas. Scorsese logra interpretar con gran acierto la escenificación del Hijo de Dios como un individuo ajeno a toda propuesta religiosa, un judío que intenta exorcizar sus demonios internos. Se plasma en la obra cinematográfica a un nazareno irreverente contra el Todo Poderoso, pues su condición humana no desea satisfacer los deseos de su creador, un Cristo no ajeno a las pasiones, los sueños y contradicciones de cualquier mortal.

    Jesús (Willem Dafoe) de 30 años, carpintero de Nazaret, quien se dedica a fabricar cruces para castigar a los judíos rebeldes contra los romanos, enfrenta un conflicto en la dualidad de roles que pesa sobre él, sobre todo en el aspecto sexual, que es cuestionada por la prostituta María Magdalena, quien le reprocha su rechazo hacia ella desde la infancia por no amarla. Por su parte, Judas Iscariote, un zelota rebelde acusa a Jesús de complicidad con los romanos y planea matarlo, pero claudica en su intento, ya que prefiere seguirlo en su misión para verificar si será útil para la causa judía de levantamiento armado.

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    La Última Tentación de Cristo adquiere una dimensión humanista, es una propuesta moderna para la cinematografía no por sus logros visuales o estéticos, sino por sus momentos de intenso debate teológico, considerando que la divinidad no está ligada con los conceptos humanísticos de cualquier mortal, aunque se tratase del propio Cordero de Dios quien se debate en sus emociones mortales, como resultado se muestra confundido y perdido ante su designio por cumplir la voluntad de un ser supremo.

    Hay que considerar algunos aspectos culturales de Nikos Kazantzakis, autor de la novela, ya que sus influencias de pensamiento quedan implícitas en esta obra, considerando que es seguidor de Bergson, Nietzsche, además concibe ideas de diversas posturas religiosas como el budismo. En 1955 cuando publica La Última Tentación de Cristo, el autor utiliza tradiciones religiosas antiguas para elaborar el texto, entre ellas nombra la corriente Adopcionismo, una vertiente cristiana que se manifestó en el siglo II después de Cristo, una doctrina que sostenía la unidad de la naturaleza divina en contra de quienes establecían distinciones entre las personas de la Trinidad. Existían los Monárquicos Modalistas quienes defendían la postura de los términos Padre o Hijo como una forma de identificación del mismo Ser, pero también existían los Monárquicos Dinamistas o Adopcionistas que postulaban lo contrario, decían que Jesús era un hombre común y corriente que se convirtió en el Hijo de Dios al ser poseído de manera excepcional por el Espíritu Divino. Entendiendo que Cristo no era hijo natural de Dios, sino que fue adoptado por la misma deidad, quedando claro que la idea de un Dios encarnado se contradice y por lo tanto no existe tal transferencia divina, por lo que este Adopcionismo se ilustra en el filme.

    Scorsese logra plasmar sus obsesiones respecto a la redención y la culpa en la narrativa fílmica, visualiza a un Cristo que descubre su condición divina de manera gradual superando sus turbaciones, pero al ser engañado por el Diablo, adopta su condición humana, renunciando a toda misión salvadora. Presenciamos la evolución del Mesías que se conduce a la inefable catarsis por medio de sus bendiciones y acciones reveladoras que lo llevarán a un solo destino: la cruz.

    El realizador dijo lo siguiente previo a su obra: "Para mí se trata de un filme religioso, un estudio serio del concepto de amor y una profundización de la idea de sacrificio a partir de una obra imaginaria. Es una exploración de la persona humana de Cristo por medios puramente humanos como son la psicología y la imaginación. De la persona humana, porque su persona divina permanece inaccesible fuera de la fe, que es para mí el fin último y esencial. Quiero hacer este filme para acrecentar la fe". (Declaraciones de Scorsese a Le Figaro, 26 de agosto, 1985).

    Por supuesto que tales declaraciones no se reflejarían en los resultados finales, desde su compleja producción iniciada en 1983 no fue muy bien acogida la propuesta por ser demasiado cara, además la productora Paramount desconfiaba de los logros del realizador; se vio pospuesta hasta 1986, desaprobándose las locaciones en Jerusalén por lo que tuvo que ser rodada en Marruecos un año después, no sin antes sufrir una intensa campaña en su contra por organizaciones religiosas escandalizadas, pues la consideraban blasfema, sus prejuicios infundados llegaban al extremo argumentando una supuesta versión de un Cristo homosexual, una verdadera muestra de la ignorancia y actitud retrógrada de las ligas moralistas. Finalmente gracias a directivos de la Universal Pictures lograron sacar adelante el proyecto matizando su estructura original sin alterarse a pesar de varios cambios que se hicieron, tanto en locaciones, como en financiamiento.

    Cabe resaltar que la música es digna de resaltar, son pocas las producciones que logran un equilibrio en las notas musicales, así como, la justificación interpretativa. El prolífico músico inglés Peter Gabriel logró crear una atmósfera adecuada para el momento histórico exigido; la fusión del rock con ritmos y sonidos del África islámica proyectaron el misterio de las tentaciones del Rey de los Judíos.

    Por supuesto que existen más lecturas para La Última Tentación de Cristo, siempre a favor o en contra, pero no hay que olvidar que ha logrado inquietar las posturas más tradicionalistas de una Iglesia Católica caduca en su función evangelizadora, temerosa por perder el control sobre sus víctimas castradas para ejercer su poder de elección, también en su búsqueda de la libertad espiritual, enclaustradas en un dogma de fe falso que tiene como discurso la asexualidad en sus feligreses, salvo en la supuesta justificación para únicamente reproducirse y mantener la especie.

    FICHA DE LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO
    (The Last Temptation of Christ)

    Dirección: Martin Scorsese; Guión: Paul Schrader, basado en la novela homónima de Nikos Kazantzakis Producción: Barbara De Fina; Fotografía: Michael Ballhaus;

    Música: Peter Gabriel; Edición: Thelma Schoonmaker; Con: Willem Dafoe (Jesús de Nazareth), Harvey Keitel (Judas Iscariote), Barbara Hershey (María Magdalena), Víctor Argo (Pedro), Michael Been (Juan), Verna Bloom (María, madre de Jesús), Randy Danson (María, hermana de Lázaro), Peggy Gormley (Martha, hermana de Lázaro)

    Estados Unidos, 1968 164 min.
    Participaciones: Nominación al Premio Óscar a Mejor Director, Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood, Estados Unidos 1989; Nominación al Premio Globos de Oro a Mejor Música Original y Mejor Actriz de Soporte (B. Hershey), Estados Unidos 1989; Nominación al Premio Razzie al Peor Actor de Soporte (H. Keitel), Estados Unidos 1989; Nominación al Premio Grammy al Mejor Soundtrack Instrumental (P. Gabriel), Estados Unidos 1990.

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